ESTO NO ES UNA PIPA, OBRA QUE INVITA A REFLEXIONAR.

El cuadro muestra una pipa. Magritte pintó bajo la pipa: «Ceci n'est pas une pipe» (Esto no es una pipa). El cuadro no es una pipa, sino una imagen de una pipa. Como Magritte dijo, «La famosa pipa. ¡Cómo la gente me reprochó por ello! Y sin embargo, ¿se podría rellenar? No, sólo es una representación, ¿no lo es? ¡Así que si hubiera escrito en el cuadro "Esto es una pipa", habría estado mintiendo!»

Podría decir que esta es la obra que más me ha llamado la atención desde el primer momento que la vi sobre la camiseta de una chica. Realmente te deja desconcertado ya que te niega lo que tus ojos están viendo.
Su primera intención es revindicar las diferencias entre una imagen y la leyenda que le acompaña. La imagen refleja evidente e inequívocamente la representación de una pipa, pero en cambio su leyenda, el texto asociado a la imagen, niega tal realidad aniquilándola con una afirmación contraria.

Personalmente, lo que yo entiendo y lo que me trasmite esta obra al mirarla, es que el dibujo no es materialmente una pipa, sino un conjunto de lineas y trazos que dan lugar a un objeto que existe en la realidad pero simplemente está representado en un plano. Aun así, esta reflexión las he extraído de las únicas palabras que la autora, René Magritte, dice sobre su obra: "Es evidente que la imagen de una pipa no es una pipa".

"El pintor recibe la realidad, la ordena y la plasma tanto como su limitación sensorial e intelectual le permite y los observadores asocian ese entramado de líneas, puntos, colores, formas, figuras etc. Al objeto concreto que el pintor quería representar, pero no se trata de la realidad, la pipa no se puede tocar, oler ni saborear y es este punto dónde Magritte quiere llegar: “las imágenes están incompletas, pero sin embargo a veces nos engañan, nos traicionan“.

Enlace externo: https://www.saberespractico.com/estudios/universidad/expresion-plastica-universidad/esto-no-es-una-pipa-analisis-y-reflexion/

¿ARTE COMO REPRESENTACIÓN DE LA REALIDAD?

La MIMESIS consiste en la fiel representación de la realidad. Su significado es "imitación". Sin embargo, en la Edad Media pierde importancia. En la baja Edad Media destacan las FIGURAS ESQUEMATIZADAS, es decir, sin realismo, sin signo simbólico.

En el Renacimiento se recupera la mimesis y alcanza el momento más importante.

Leonardo Da Vinci

 “La pintura más digna de alabanza es aquella que está lo más posible de acuerdo con lo que representa” 

Alberto Durero

“Cuanto más fiel sea tu obra a la figura viviente, tanto mejor será” 

Tras esto, entre los siglos XVI-XVII se produce un debate entre Holanda que estaba a favor de imitar la realidad e Italia que prefiere idealizar la realidad. Por ésto, se empieza a representar lo que saben y no lo que ven, es decir, comienzan a representar cada cosa en su aspecto más característico.

Todo ésto vimos durante la tercera sesión de clase. En ésta vimos una serie de cuadros donde o se representaban figuras esquematizadas o se mostraba la realidad tal cual es.

Me gustaría destacar la siguiente imagen:

Esta obra recibe el nombre del jardín de Neabum, 1400 a.c y se encontró en la tumba de Tebas. Actualmente está en el British Museum de Londres. 

El objetivo de esta obra era representar las cosas de la manera más realista y ésto es lo que me hizo querer reflexionar sobre ella, ya que en la realidad, las cosas no se ven como si fuera un plano, sino todo lo contrario. Entonces descubrí que, en aquella época, se pintaba de memoria y lo que se intentaba es que cupieran en el mismo espacio todos y cada uno de los elementos de la obra que querían representar.

Por otro lado, el concepto de FOTORREALISMO, el cual no había oído nunca antes. Este concepto hace referencia a un nuevo género que consiste en hacer un cuadro a partir de una fotografía. Se considera una variante del HIPERREALISMO, el cual se basa en reproducir la realidad de la manera más fiel y objetiva posible, al igual que una fotografía.

Uno de los autores más destacados de este género es Richard Estes del cual vimos unas cuantas fotografías en el aula. Sus cuadros consisten generalmente en RETROSPECTIVAS (Hacen referencia a un tiempo pasado, épocas anteriores o años atrás) de ciudades lejanas y paisajes urbanos donde todo lo que rodea representa el ambiente de la época en la que la foto ha sido sacada.

Alguna de las obras que más me han llamado la atención de este autor son:

PERFORMANCE

En una de las clases se formuló la pregunta de qué es una PERFORMANCE. Muchos de mis compañeros y yo no lo sabíamos tampoco, por lo que la profesora nos dijo que podíamos investigarlo y así, averiguar su significado.
Durante la segunda sesión, la profesora nos volvió a mostrar una serie de imágenes de las que recuerdo una concretamente. Su autora era Marina Abraimomick y era una performance.

Performance art significa arte en vivo, por lo que podríamos decir que es una representación en el que se combinan elementos de artes y campos diversos, como la música, danza, teatro y artes diversas. Es una muestra escénica, a veces se le añade el factor de improvisación y de estética.

Las performance de esta autora se caracterizan por sus extremismos y su control del cuerpo a través de la disciplina y el equilibrio de la mente, llevándola a realizar trabajos en los que su integridad física peligra. Esto último lo podemos observar en la imagen que nos mostró en clase la profesora. Es la siguiente:

Esta obra recibe el nombre de Ulay ( al igual que su compañero ), Marina Abramovic destaca en el mundo de las performance debido a que expone su cuerpo al dolor, de cualquier forma posible. Principalmente me había llamado la atención ésta imagen pero, tras conocer a esta artista prefiero añadir a mi portafolio la que más me ha llamado la atención de sus obras.

Esta obra recibe el nombre de Breathing in/Breathing out (1977). En esta performance, Marina y Ulay colocaron micrófonos en sus gargantas y pegaron sus bocas, labio contra labio, besándose pero a la vez compartiendo la respiración, que sonaba por toda la sala. De esta forma, solo compartían el dióxido de carbono, agotando el oxígeno de sus pulmones. La performance duró diez y nueve minutos, tras los cuales cayeron los dos artistas desmayados al suelo.

Esta performance habla sobre la influencia que tiene el individuo sobre el otro en las relaciones de pareja, pudiendo llegar a ahogar a la otra persona o destruirla, absorber su vida por completo.

Enlace externo : http://www.vagon293.es/ars/marina-abramovic-como-si-fuese-un-cuadro-pero-imposible-detenerse-solo-30-segundos/

¿QUÉ ENTIENDO POR ARTE?

Las concepciones tradicionales del arte que encontramos en nuestra sociedad y en nuestra escuela pueden ser las más aceptadas socialmente pero en mi opinión, cada uno interiormente tiene su propio concepto del mismo, ya que si para todos fuera una representación fiel de la realidad, belleza, expresión de sentimientos internos o una obra maestra, entenderíamos por arte casi todo aquello que nos rodea.

Realmente nunca me había planteado esta pregunta hasta llegado el momento, ¿Qué entiendo por arte? ¿Cuál es mi concepto de arte?
Este concepto lo voy creando y formando durante este semestre. En cada clase, la profesora nos muestra cuadros, obras, esculturas... y nos pregunta qué nos sugiere cada imagen. Sinceramente, muchas de ellas no me han aportado nada, ni siquiera guardo un ligero recuerdo de ellas. Por lo tanto, considero que mi concepto de arte, está relacionado con todo aquello que te hace sentir algo, todo aquello que se acopla a tus recuerdos por el hecho de haberte provocado alguna sensación al verlo.

En la primera sesión, la profesora nos enseñó una serie de cuadros y nos formuló de nuevo la misma pregunta, ¿Qué nos sugieren estas imágenes?¿Qué nos quieren decir?. Seguida de unas cuantas imágenes, nos mostró la siguiente:

Su autora es Elena Asins (1940-2015). Tras verla, puedo afirmar que no me aporta absolutamente nada, incluso puedo decir que me hace sentir un poco de rabia el hecho de que esto pueda llegar a tener un valor inalcanzable para muchas personas. Por lo tanto, quise saber cual es el significado de esta obra y que sentimientos tenía la autora a la hora de realizarla.
Descubrí que esta autora buscaba en sus obras armonías ocultas y musicales en las imágenes. A esta obra la llamó La rotación del menhir. Con la limitación del espacio que se puede apreciar en cada uno de los cuadros hechos con serigrafía sobre papel, se intenta sugerir una apertura al infinito como en los elementos de una serie matemática.

Tras investigar esto, descubrí que se trata de ARTE ABSTRACTO. Éste no consiste en representar objetos de la realidad como estamos acostumbrados, sino nuevas formas como las que podemos apreciar en la imagen. Es todo lo contrario al ARTE FIGURATIVO al que estamos acostumbrados. Esta forma de arte, intenta alejarse de la reproducción fiel de la realidad, es decir, propone una nueva realidad distinta a la natural.