Como última entrada de mi portafolio, quiero hablar del autor que más me ha gustado. Podría decir que es el que más me ha llamado la atención y el que más ha destacado para mi entre todos los vistos en clase. También es verdad que cada autor es diferente y que cada uno se dedica a transmitir (o no) cosas diferentes.
Lo que más me ha llamado la atención de este autor es que, a pesar de tener tantas obras, es desconocido, no se sabe cual es su identidad. (Bansky es su seudónimo).
Su modalidad es todo aquello que se refiera a arte de la calle, frecuentemente ilegal, como por ejemplo el graffiti. Normalmente sus obras son SATÍRICAS, es decir, son expresiones de indignación hacia alguien o algo, con proposito moralizador, lúdico o burlesco.
En su libro Wall and street cuenta cómo empezó en la pintura callejera, usando spray aplicado directamente sobre la pared. Pero esta técnica requería tiempo, lo que la hacía muy arriesgada ya que se trataba de un arte ilegal. Debido a ello, comenzó a utilizar plantillas de cartón creadas por él mismo que rociaba con un spray para coches y que le daban la rapidez que necesitaba en la realización de los murales, haciéndolos más impactantes.
En sus primeras obras, Bansky se dedicaba a pintar las calles de Bristol con ratas y con frases significativas. A medida que pasaba el tiempo, el autor comenzó a manifestarse de todas las maneras posibles.
Podría decir que este es uno de los apartados que más me ha llamado la atención y me ha gustado ya que, al ver cualquier obra con esta temática sabes automáticamente que intenta denunciar algo, buscas en ella cualquier pista y extraes numerosas interpretaciones. Por lo tanto, he querido investigar más sobre qué intenta denunciar la siguiente obra:
Esta obra es de George Grosz y recibe el nombre de “Escena callejera” 1925.
En un primer momento, al ver la obra en clase, por las vestimentas de las personas ya supuse que era representación de otra época y al ver la fecha lo afirmé. También, pude apreciar la diferencia entre los que pertenecen a la burguesía y los llamados homless.
Investigando sobre la obra, descubrí que el autor quería plasmar, con un toque de sarcasmo, la descomposición real de la sociedad alemana tras la guerra. Así pues, este autor utilizó el arte como arma política y se manifestó con ayuda de esta obra, contra el orden social injusto y la hipocresía de la clase media urbana.
A continuación dejo otras tres obras importantes de Gorge Grosz:
Por otro lado, en la siguiente sesión seguimos hablando del arte como denuncia política y social, por lo que la profesora siguió enseñando obras con la misma temática. De éstas, me gustaría destacar la siguiente performance de Joseph Beuys llamada "Me gusta América y a América le gusto yo"
En Mayo de 1974 este autor alemán se niega a pisar el suelo de América por lo que es trasladado desde el aeropuerto, en una camilla de ambulancia, hasta el lugar donde es encerrado séis días con un coyote salvaje. La habitación estaba decorada como si fuera un desierto y cada uno de los elementos de la habitación tenía un significado:
El fieltro y la grasa son los materiales con los que los tártaros curaron a Beuys tras un accidente de avioneta en Crimea y que aparece continuamente en su obra.
El coyote, animal sagrado para los indios norteamericanos. Dios entre lo espiritual y lo material.
El Walt Street Journal que fueron recibiendo durante estos días, símbolo del capitalismo y hegemonía estadounidense
Lo que quería este autor, era criticar el daño causado por el hombre blanco a los nativos americanos y a su cultura. A través de esta acción, quería curar a América del trauma causado por el conflicto con los indios.
Este autor es una importante figura en el movimiento de expresionismo abstracto, en el cual se utilizan formas abstractas(véase concepto en entradas más antiguas) para expresar sentimientos internos. Éstos se pueden reconocer a través del color, la forma, las pinceladas, la textura y el tamaño.
Cuando nos enseñó la profesora una obra de este autor en clase, lo primero que vi fueron unos cuantos colores revueltos, con pinceladas para todos los lados sin importar la dirección. Esta obra me transmitía un poco de confusión y algo de ira por parte del autor. Así pues, investigué acerca de la obra para ver si lo que a mi me trasmitía era lo que intentaba comunicar este autor.
Descubrí que se llamaba de She Wolf (la loba) y que la gente gracias al título cree que es la loba que alimentó a los gemelos Rómulo y Remo en el mito de la creación de Roma. Aun así, no se sabe si eso es cierto o no ya que el propio artista cuando le preguntaban el significado de la obra respondía lo siguiente: “Cualquier intento de darle un sentido, de explicar lo inexplicable, sólo lo destrozaría”
JOSEPH KOSUTH
«El arte que yo denomino conceptual lo es porque se basa en una investigación en torno a la naturaleza del arte».
Este autor es un artista muy destacado en el arte conceptual. Éste consiste en el que el concepto de la obra es más importante que el objeto que representa.
El autor nos invita a reflexionar desde tres perspectivas diversas: mediante el objeto (la silla), su representación o índice (la fotografía de la misma silla), y dos elementos lingüísticos (la palabra que designa al objeto y su definición).
"Así en esta obra nos obliga a reflexionar sobre la naturaleza misma de las ideas. Del desarrollo de la idea. Como algunos críticos señalaron en su momento, muestra como es la evolución de la idea (la definición de silla) a la realidad tangible (la propia silla). Es una reflexión de como se entiende la realidad, ¿es más real lo pensado que lo realizado?"
En la siguiente sesión hablamos sobre el arte vanguardista y de como había cambiado la importancia de la forma en las obras a lo largo de la historia donde se intentaba descubrir como crear profundidad.
De esta sesión quiero destacar a dos artistas. En primer lugar a Julian Beever quien se dedica a dibujar con tiza en pavimentos para crear ilusiones ópticas de profundidad.
Este artista hace jugar con la imaginación. Sus obras transmiten muchas emociones: asombro y admiración por las creaciones que hace, confusión por no saber a simple vista de si se trata de una obra o de la realidad e incluso vértigo ya que como se puede ver, muchas de sus obras parecen profundas y con altura.
Por otro lado, conocimos el cubismo y el futurísmo, en los cuales no se intenta representar lo que se ve, sino lo que se sabe y, además captar el movimiento y la velocidad. Por lo tanto, quiero destacar el siguiente cuadro de Michael Duchamp.
Esta obra recibe el nombre de "desnudo bajando las escaleras". Quiero hacer hincapié en ella porque, como he dicho antes, el cubismo representa volúmenes geométricos elementales que dan forma a lo que quieren representar.Por lo que, si no hubiera leído el título no hubiera sabido qué es. Y aun sabiéndolo seguía sin interpretarlo, por lo que me puse a investigar y encontré la siguiente foto con la que entendí la obra:
A simple vista, no veía las escaleras ni el hombre, me parecía todo una sucesión continua de elementos geométricos sin sentido. Finalmente, comencé a darme cuenta del movimiento descendente y cuando encontré la foto de la izquierda, entendí la forma de la obra.
Por otro lado, encontramos el SUPREMATISMO, que son obras totalmente abstractas liberadas de la realidad. En las cuales el cuadro es el elemento fundamental ya que no lo encontramos en la naturaleza. Como ya comenté en la primera entrada de este blog, no llego a comprender como puede considerarse arte este tipo de obras. Personalmente a mi, no me transmite nada.
Por último, me ha llamado mucho la atención la gran repercusión que ha tenido Piete Mondrian en numerosos aspectos de nuestra vida diaria. Sus composiciones se basan en los colores rojo, amarillo y azul y con éstos, crea numerosas obras de cualquier tipo.
Mondrian con este cuadro no quería representar nada, sino que el espectador dejara volar su imaginación. Él simplemente creó piezas de diferentes colores en un mismo espacio. Estos colores son llamados básicos, lo que significa que combinándolos se puede crear cualquier otro color: verde, morado, naranja, y todas las otras sombras en medio. Crear estos tres colores básicos es imposible porque son colores individuales, por eso se llaman colores primarios. En esta obra los cuadrados que contienen estos colores estan llenos de energía. El rojo evoca fuego o sangre o un atardecer.
Como ya he dicho, podemos ver influencias de este autor en muchos aspectos de nuestra vida. Su estilo ha sido aplicado en la decoración interior, en muebles, en diseños, en arte gráfico, en revistas, en propagandas y en la moda.
El cuadro muestra una pipa. Magritte pintó bajo la pipa: «Ceci n'est pas une pipe» (Esto no es una pipa). El cuadro no es una pipa, sino una imagen de una pipa. Como Magritte dijo, «La famosa pipa. ¡Cómo la gente me reprochó por ello! Y sin embargo, ¿se podría rellenar? No, sólo es una representación, ¿no lo es? ¡Así que si hubiera escrito en el cuadro "Esto es una pipa", habría estado mintiendo!»
Podría decir que esta es la obra que más me ha llamado la atención desde el primer momento que la vi sobre la camiseta de una chica. Realmente te deja desconcertado ya que te niega lo que tus ojos están viendo.
Su primera intención es revindicar las diferencias entre una imagen y la leyenda que le acompaña. La imagen refleja evidente e inequívocamente la representación de una pipa, pero en cambio su leyenda, el texto asociado a la imagen, niega tal realidad aniquilándola con una afirmación contraria.
Personalmente, lo que yo entiendo y lo que me trasmite esta obra al mirarla, es que el dibujo no es materialmente una pipa, sino un conjunto de lineas y trazos que dan lugar a un objeto que existe en la realidad pero simplemente está representado en un plano. Aun así, esta reflexión las he extraído de las únicas palabras que la autora, René Magritte, dice sobre su obra: "Es evidente que la imagen de una pipa no es una pipa".
"El pintor recibe la realidad, la ordena y la plasma tanto como su limitación sensorial e intelectual le permite y los observadores asocian ese entramado de líneas, puntos, colores, formas, figuras etc. Al objeto concreto que el pintor quería representar, pero no se trata de la realidad, la pipa no se puede tocar, oler ni saborear y es este punto dónde Magritte quiere llegar: “las imágenes están incompletas, pero sin embargo a veces nos engañan, nos traicionan“.
La MIMESIS consiste en la fiel representación de la realidad. Su significado es "imitación". Sin embargo, en la Edad Media pierde importancia. En la baja Edad Media destacan las FIGURAS ESQUEMATIZADAS, es decir, sin realismo, sin signo simbólico.
En el Renacimiento se recupera la mimesis y alcanza el momento más importante.
Leonardo Da Vinci
“La pintura más digna de
alabanza es aquella que
está lo más posible de
acuerdo con lo que
representa”
Alberto Durero
“Cuanto más fiel sea tu obra a la
figura viviente, tanto mejor será”
Tras esto, entre los siglos XVI-XVII se produce un debate entre Holanda que estaba a favor de imitar la realidad e Italia que prefiere idealizar la realidad. Por ésto, se empieza a representar lo que saben y no lo que ven, es decir, comienzan a representar cada cosa en su aspecto más característico.
Todo ésto vimos durante la tercera sesión de clase. En ésta vimos una serie de cuadros donde o se representaban figuras esquematizadas o se mostraba la realidad tal cual es.
Me gustaría destacar la siguiente imagen:
Esta obra recibe el nombre del jardín de Neabum, 1400 a.c y se encontró en la tumba de Tebas. Actualmente está en el British Museum de Londres.
El objetivo de esta obra era representar las cosas de la manera más realista y ésto es lo que me hizo querer reflexionar sobre ella, ya que en la realidad, las cosas no se ven como si fuera un plano, sino todo lo contrario. Entonces descubrí que, en aquella época, se pintaba de memoria y lo que se intentaba es que cupieran en el mismo espacio todos y cada uno de los elementos de la obra que querían representar.
Por otro lado, el concepto de FOTORREALISMO, el cual no había oído nunca antes. Este concepto hace referencia a un nuevo género que consiste en hacer un cuadro a partir de una fotografía. Se considera una variante del HIPERREALISMO, el cual se basa en reproducir la realidad de la manera más fiel y objetiva posible, al igual que una fotografía.
Uno de los autores más destacados de este género es Richard Estes del cual vimos unas cuantas fotografías en el aula. Sus cuadros consisten generalmente en RETROSPECTIVAS (Hacen referencia a un tiempo pasado, épocas anteriores o años atrás) de ciudades lejanas y paisajes urbanos donde todo lo que rodea representa el ambiente de la época en la que la foto ha sido sacada.
Alguna de las obras que más me han llamado la atención de este autor son:
En una de las clases se formuló la pregunta de qué es una PERFORMANCE. Muchos de mis compañeros y yo no lo sabíamos tampoco, por lo que la profesora nos dijo que podíamos investigarlo y así, averiguar su significado.
Durante la segunda sesión, la profesora nos volvió a mostrar una serie de imágenes de las que recuerdo una concretamente. Su autora era Marina Abraimomick y era una performance.
Performance art significa arte en vivo, por lo que podríamos decir que es una representación en el que se combinan elementos de artes y campos diversos, como la música, danza, teatro y artes diversas. Es una muestra escénica, a veces se le añade el factor de improvisación y de estética.
Las performance de esta autora se caracterizan por sus extremismos y su control del cuerpo a través de la disciplina y el equilibrio de la mente, llevándola a realizar trabajos en los que su integridad física peligra. Esto último lo podemos observar en la imagen que nos mostró en clase la profesora. Es la siguiente:
Esta obra recibe el nombre de Ulay ( al igual que su compañero ), Marina Abramovic destaca en el mundo de las performance debido a que expone su cuerpo al dolor, de cualquier forma posible. Principalmente me había llamado la atención ésta imagen pero, tras conocer a esta artista prefiero añadir a mi portafolio la que más me ha llamado la atención de sus obras.
Esta obra recibe el nombre de Breathing in/Breathing out (1977). En esta performance, Marina y Ulay colocaron micrófonos en sus gargantas y pegaron sus bocas, labio contra labio, besándose pero a la vez compartiendo la respiración, que sonaba por toda la sala. De esta forma, solo compartían el dióxido de carbono, agotando el oxígeno de sus pulmones. La performance duró diez y nueve minutos, tras los cuales cayeron los dos artistas desmayados al suelo.
Esta performance habla sobre la influencia que tiene el individuo sobre el otro en las relaciones de pareja, pudiendo llegar a ahogar a la otra persona o destruirla, absorber su vida por completo.
